Attenzione: questo articolo contiene alcune teorie serie.
Ah sì, la grande e spaventosa parola con la “T”. La rovina dell’esistenza di molti musicisti. Vogliamo solo fare musica, entrare in studio e lavorare al nostro prossimo capolavoro senza doverci preoccupare di concetti come bande di frequenza, cambi di tonalità o bit rate.
Ma a meno che non vogliamo pagare altri per fare il lavoro al posto nostro – il che, devo dire, non è necessariamente una cattiva strategia – questi sono ponti che dobbiamo semplicemente attraversare. Bruciarli sarebbe soddisfacente, ma in definitiva invalidante nel tuo percorso per diventare il prossimo *inserisci un autore influente qui*.
Mentre la DAW e gli strumenti saranno sempre le fondamenta su cui costruire il vostro studio musicale, gli effetti audio – siano essi nativi della vostra workstation o plugin di terze parti – possono essere un coltellino svizzero per ottenere suoni e manipolazioni audio altrimenti irraggiungibili, se usati in modo responsabile.
Imparando a conoscere alcuni dei principali effetti audio, i loro scopi e i loro potenziali utilizzi, potrete disporre di una migliore piattaforma di lancio per far decollare le vostre produzioni in home studio.
Sia che vogliate semplicemente imparare a mixare la vostra musica, sia che vogliate immergervi nel vasto mondo dei VST per migliorare il vostro kit di strumenti da studio, sia che siate puramente interessati alla teoria che c’è dietro – sicuramente no! – Spero sinceramente che questo articolo vi metta sulla strada giusta per raggiungere i vostri obiettivi.
Non sono un ingegnere professionista e non pretendo che questo articolo vi porti da principianti a maestri della produzione, ma spero che vi dia una panoramica di facile comprensione degli effetti audio più comunemente usati.
Con queste conoscenze, si può iniziare ad applicarle alle proprie creazioni, imparando facendo e applicando, e diventare lentamente un ingegnere audio abbastanza esperto, in grado di utilizzare la maggior parte degli effetti audio generici sulle proprie tracce.
Naturalmente, per un tutorial più approfondito sul missaggio, ci sono letteralmente centinaia di libri sull’argomento che daranno il via alla vostra campagna di studio musicale, affrontando il “problema” (cioè come far suonare una canzone) da molti punti di vista.
Sui singoli effetti audio sono stati scritti interi libri, di cui parlerò solo in poche centinaia di parole – quindi se volete altre risorse oltre a quelle che vi fornisco, fatelo pure.
Non sarò geloso.
I 5 grandi
In generale, esistono 5 effetti audio principali che si manifestano in quasi tutti i brani registrati o riprodotti. Anche al di fuori del mondo del mixaggio, quando si armeggia con i pedali della chitarra o addirittura con il proprio impianto hi-fi, è probabile che almeno alcuni dei 5 grandi effetti siano coinvolti in un modo o nell’altro.
Data la loro importanza, è fondamentale avere una conoscenza di base delle loro funzioni prima di intraprendere qualsiasi tipo di avventura nell’home studio, anche se in futuro ci si vuole attenere ai classici effetti VST/audio.
I 5 grandi sono :
- Equalizzazione
- Compressione
- Riverbero
- Scadenza
- Saturazione
Saranno il fulcro della lezione di oggi, quindi sedetevi, prestate attenzione e preparatevi a prendere appunti. Se sarete fortunati e vi comporterete bene, dopo la lezione potrò menzionare altri effetti audio divertenti che potranno stupire le vostre produzioni.
Ok, pronti?
Andiamo.
EQ (Equalizzatori)
Che cos’è?
Gli equalizzatori (meglio noti come EQ) sono una delle forme più comuni di elaborazione audio e sono probabilmente l’unica delle 5 che i consumatori avranno utilizzato senza aver mai sviluppato una canzone.
È possibile trovare equalizzatori sul telefono, spesso con una serie di preimpostazioni, sullo stereo, su Spotify, su un pedale per chitarra e persino in auto.
Oltre a questi usi domestici, gli equalizzatori sono presenti negli amplificatori e negli altoparlanti, utilizzati nelle sale di produzione radiotelevisiva e nei teatri.
I principali tipi di equalizzatore sono: grafico e parametrico. Ce ne sono altri, ma a livello funzionale di base fanno tutti la stessa cosa: regolano il volume (segnale elettrico) di una specifica “banda di frequenza”, modificando così il suono complessivo.
Questo può essere utilizzato semplicemente per rendere un suono più gradevole, ad esempio alzando la manopola dei bassi dell’auto quando viene riprodotta una particolare canzone, oppure per eliminare frequenze (suoni) indesiderate, come il russare e i cigolii elettrici.
La maggior parte degli equalizzatori che incontrerete nel vostro viaggio di base nel mixaggio e nella creazione di musica includerà anche un valore Q, che determina l’ampiezza della banda di frequenza modificata.
Ad esempio, supponiamo che si voglia ridurre il volume dei bassi in un brano che si sta realizzando. Un valore Q basso indica una banda ampia, il che significa che i tagli del bilanciamento dei bassi potrebbero andare da 100 a 400 Hz.
Tuttavia, se si utilizza un valore Q molto più alto, la variazione di volume può essere applicata solo a un intervallo compreso tra 250 e 270 Hz.
Ogni metodo di manipolazione del segnale audio è chiamato “filtro” e ne esistono diversi. Man mano che progredite nella vostra carriera di grandi musicisti, imparerete molte cose, ma per ora mi limiterò a fornire una panoramica dei metodi di filtraggio più comuni e accessibili.
Probabilmente i più semplici da capire, i filtri passa-alto e passa-basso (rispettivamente HPF e LPF) eliminano completamente qualsiasi suono al di sotto o al di sopra di una certa frequenza.
Ad esempio, se si imposta un filtro passa-alto a 200 Hz – anche se la gamma di frequenza specifica dipende dal Q in uso – si eliminano tutti i suoni a partire da circa 100 Hz. Naturalmente, per un filtro passa-basso vale il contrario.
Filtro passa-alto
Questi filtri sono essenziali per quasi tutti i lavori audio e consentono anche al tecnico del suono più inesperto di fare una differenza quantificabile nella pulizia delle sue registrazioni.
I filtri passa-alto sono talvolta chiamati anche filtri taglia-basso e i filtri passa-basso sono spesso chiamati filtri taglia-alto.
I filtri Shelf funzionano come i filtri passa-alto, in quanto si riferiscono a una frequenza superiore o inferiore a una frequenza, anziché a un intervallo. Nella maggior parte dei casi, quando si ruota la manopola degli alti di un prodotto di consumo, si manipola un filtro shelving.
Filtro per gli acuti (aumento di 6 dB)
I filtri shelf funzionano per ridurre un segnale al di sotto o al di sopra di una determinata frequenza, ma a differenza dei filtri passa-basso, uno shelf non elimina completamente il suono e può anzi essere utilizzato per enfatizzare (o amplificare) il segnale.
Ciò consente di ottenere un effetto più mirato sulla tonalità di un brano o di una canzone, a differenza dei filtri master che sono progettati più per “ripulire” un mix che per alterare le qualità audio.
I filtri a campana sono chiamati così perché hanno l’aspetto di una campana. Funzionano come i filtri shelving, cioè amplificano o tagliano il segnale in base a una frequenza predeterminata.
Tuttavia, invece di essere al di sopra o al di sotto di un punto specifico dello spettro, operano in un intervallo.
Per spiegarmi meglio: Se si imposta un filtro per le basse frequenze a 500Hz, la gamma di frequenze interessate dal taglio o dal potenziamento sarà 0-500Hz. D’altra parte, un filtro a campana impostato a 500 Hz potrebbe alterare le qualità sonore della gamma di frequenze 400-600 Hz.
Ciò consente di apportare modifiche molto specifiche e su piccola scala all’audio, di cui parlerò più avanti.
Si tratta di una strana combinazione tra i figli del filtro a campana e i fratelli del filtro passante. Un filtro notch è molto simile a un filtro a campana – agisce su una piccola gamma di frequenze invece che su tutto ciò che è al di sopra o al di sotto di un certo punto – ma “bypassa” completamente la banda di suono a cui è applicato.
In parole povere, se si imposta un filtro notch a 2500 Hz, significa che – sempre a seconda del valore Q – tutti i suoni compresi tra 2475 e 2525 Hz saranno semplicemente rimossi dal segnale audio.
Gli equalizzatori parametrici comportano alcune altre funzioni, che non approfondirò troppo per paura di essere risucchiato nel vuoto infinito (tenete d’occhio altri riferimenti al vuoto in questa serie!) delle complessità dell’ingegneria audio.
Ok. È sufficiente. Passiamo alla prossima sezione, in cui vi darò un assaggio di ciò che potete fare con la potenza che offre un semplice oggetto simile a un grafico sullo schermo.
Come e quando devo usarlo?
Devo ammettere – mentre cerco ironicamente di educare i miei fedeli lettori attraverso le Scritture – che l’apprendimento e l’uso dell’equalizzazione avviene meglio a livello visivo (attraverso le immagini) e sonoro che attraverso la parola scritta.
Sperando che le immagini incluse diano una certa prospettiva, non mi scandalizzerei se alcuni nuovi arrivati in EQ fossero rimasti confusi dalla sezione precedente.
Non preoccupatevi, il QE non si limita a sapere cosa fa. In effetti, sentirsi dire specificamente cosa fare con un mix è una mentalità tossica da avere in primo luogo. Il modo migliore per fare qualsiasi cosa è (questo non vi sconvolgerà e potrebbe anzi farvi peggiorare…) farlo per voi stessi.
Ci sono molti : Qualcuno su YouTube ha detto che se si equalizza la voce con un filtro a 5 kHz e un leggero boost a 450 kHz, il brano sarà pronto per la radio. Ma quando l’ho fatto sulla mia nuova canzone, il suono è stato ancora peggiore!
Questo perché non esiste un insieme di regole o di linee guida per livellare con successo una pista. Deve essere fatto in base alle sensazioni e all’esperienza, e l’unico modo per acquisire esperienza è avere l’esperienza necessaria. Come chiedeva Jimi Hendrix, “Are You Experienced?
Giocateci! Scegliete una canzone a caso. Trascinare e rilasciare vari punti di equalizzazione. Osservate come ogni piccola modifica apportata manipola l’audio, alterandolo in modi che possono essere del tutto impercettibili o totalmente rivoluzionari.
Detto questo, esistono diversi metodi di equalizzazione che vengono spesso utilizzati per migliorare il mix di un brano. Discuterò brevemente alcune di queste tecniche prima di passare all’effetto audio numero 2 di 5.
Scansione
Utilizzato per trovare suoni francamente disgustosi, come risonanze di stanze o echi malevoli, lo sweeping consiste nel prendere un filtro a campana, aumentarlo di una quantità assurda (spesso 15dB o più) e poi fare uno sweeping (lo so, vero?!) attraverso lo spettro di frequenze, notando i suoni particolarmente offensivi.
Il modo in cui si definisce ciò che è particolarmente offensivo è in realtà un punto controverso per questo metodo ed è uno dei suoi principali svantaggi, ma a un livello di base può essere efficace per i principianti dell’EQ.
Una volta fatto questo, si torna a ciascuna gamma di frequenza annotata e si aggiunge un filtro notch.
Equalizzazione degli specchi
Conosciuto anche come “notching”, è un metodo di equalizzazione orientato a progetti musicali “grandi” con un certo numero di tracce e livelli diversi con qualità sonore sovrapposte.
Quando si mixa una traccia che suona confusa o un brano in cui gli strumenti scompaiono nel caos, il mirroring è un metodo popolare per aggiungere spazio al mix.
Ciò avviene amplificando un particolare segnale di frequenza in una traccia e tagliando esattamente la stessa banda di frequenza in un’altra, creando così uno spazio nello spettro uditivo in cui i suoni coesistono pacificamente.
Filtraggio dei passaggi
Come abbiamo visto in precedenza, il filtraggio del passaggio è una parte essenziale di qualsiasi esercizio di missaggio e uno dei pochi consigli da seguire. Dovete farlo su tutto.
In realtà, si dovrebbe tagliare al di sotto del punto in cui il suono effettivo entra nella registrazione, riservando il filtro per la rimozione di ronzii e rumori.
Naturalmente, l’esperienza entra in gioco quando si decide dove tagliare, e la risposta a questa domanda è meglio informata dall’ascolto del brano/audio e non da ciò che ha detto un estraneo su Reddit.
Altri usi
Quanto detto sopra è solo la punta dell’iceberg dell’utilizzo dell’equalizzazione nel lavoro in home studio.
Può essere usato in modo creativo, riproducendo un suono tipo altoparlante/radio, o utilizzato per manipolare la posizione di alcune tracce in un campo sonoro. È possibile far suonare le voci in modo stretto e brillante, o le tastiere in modo rimbombante ed enorme.
L’utilizzo dell’equalizzatore dipende da voi, ma le opzioni sono quasi illimitate. Nessun altro effetto è così fondamentale per il suono di una canzone completa.
È possibile utilizzare i filtri passa-alto per creare sezioni di suono lo-fi per aggiungere un “accumulo” o un cambiamento nel suono senza modificare significativamente il volume.
Compressione
Che cos’è?
Vi è mai capitato di ascoltare una canzone soft e acustica su Spotify mentre siete alla guida della vostra auto, di alzare il volume per potervi rilassare meglio, per poi crollare pochi secondi dopo, quando la canzone successiva si è annunciata a un volume ridicolo uscendo dal vostro altoparlante? Beh, io l’ho fatto.
Un compressore esiste per evitare che questo scenario si verifichi, ma di solito nel vuoto (l’ho fatto di nuovo!) di un singolo brano, o addirittura di una singola registrazione.
Come l’equalizzazione, la compressione ha funzionalità importanti che vanno oltre il vostro prossimo progetto hip-hop in Ableton Live. È un componente essenziale in molti campi legati all’audio, come la radio, il cinema e le performance dal vivo.
Lo scopo principale di un compressore è quello di ridurre la gamma dinamica dell’audio, consentendo un’esperienza di ascolto uniforme e coerente.
In linea di massima, esistono due tipi principali di compressione, anche se esistono sottocategorie indipendenti che hanno i loro usi più diffusi.
La compressione verso il basso mira a ridurre/controllare i suoni al di sopra di un livello di soglia definito, riducendone il volume, mentre non ha alcun effetto sulla potenza del segnale dei suoni al di sotto della soglia. È il tipo di compressione più comune.
Come ci si potrebbe aspettare, la compressione verso l’alto funziona in modo opposto a quella verso il basso, enfatizzando i suoni che si trovano al di sotto di una specifica soglia di volume e lasciando intatti i suoni più forti.
I limitatori funzionano con lo stesso principio, ma sono più spesso utilizzati nel mastering o su interi mix piuttosto che su singole registrazioni, per controllare il volume dell’audio in base alla trasmissione.
Espansori (che aumentano la gamma dinamica dell’audio), noise gates (che eliminano i suoni al di sotto di una certa soglia di decibel) e DeEsser (progettati per bloccare o attenuare la frequenza aspra che i cantanti producono quando cantano fischi).
Come e quando devo usarlo?
Mentre le proprietà tecniche – per non parlare della complessità generale – degli equalizzatori possono essere discusse abbastanza brevemente, i compressori hanno una serie di funzioni e controlli specifici che sarebbe noioso per me esprimere e altrettanto noioso per voi leggere in questo caso.
Se volete saperne di più, vi consiglio di leggere un articolo, un capitolo di un libro o di guardare un video sulla compressione, poiché si tratta di un argomento molto vasto che richiede un po’ di tempo per essere padroneggiato.
I parametri regolabili più comuni per la compressione sono: soglia, rapporto, guadagno/aumento, attacco, rilascio, ginocchio, picco o RMS e look-ahead.
Per esigenze estremamente basilari, le uniche tre cose da sapere sono la soglia, il rapporto e il guadagno.
La soglia influisce sul “limite” che il segnale audio non può superare o abbassare, il rapporto influisce sulla quantità di segnale al di sopra o al di sotto della soglia e il guadagno viene regolato per riportare il volume complessivo della traccia al suo posto originale, poiché i compressori spesso aumentano o diminuiscono il volume dell’intera registrazione.
Quando utilizzare un compressore
Quando si mixa il proprio brano (o quello di qualsiasi altro artista, se è per questo), i compressori sono quasi sempre utili. Una gamma dinamica troppo ampia crea un’esperienza d’ascolto sgradevole, mentre la compressione è essenziale affinché il brano si inserisca bene in un mix.
Molti ingegneri danno la priorità alla compressione della traccia prima di adottare misure di equalizzazione di base.
Detto questo, bisogna fare molta attenzione a non sovraccaricare la traccia, a meno che non si tratti di una decisione artistica (sovraccaricare la batteria è una scelta creativa comune, ad esempio l’intro di Live Forever degli Oasis). Un uso eccessivo di questo effetto può produrre un suono stretto e squadrato, eccessivamente elaborato e poco musicale.
Non si vuole avere una gamma dinamica eccessiva, ma nemmeno troppo scarsa. L’uso troppo disinvolto della compressione può far perdere la brillantezza, la musicalità e la brillantezza di alcune esecuzioni.
Il modo per evitarlo si ottiene naturalmente con l’esperienza (oh, non siate così sorpresi!), ma c’è comunque una certa logica che anche un principiante può anticipare ed eseguire.
È logico che una canzone pop o elettronica, con performance più virtuali e il desiderio di essere più incisiva, richieda una compressione maggiore rispetto a una ballata indie folk.
Lo stesso concetto si applica ai singoli strumenti: le chitarre elettriche overdrive o le batterie heavy metal sono più grandi e hanno una gamma dinamica molto più ridotta rispetto al fingerpicking di una chitarra acustica o di una viola solista. La chitarra e la batteria probabilmente sopporterebbero molte più compressioni prima di perdere la loro magia rispetto all’acustica o alla viola.
Come gli equalizzatori, i compressori hanno l’ingiusta reputazione di essere importanti dal punto di vista funzionale ma non artistico, mentre in realtà è vero il contrario.
Esiste un’infinità di idee musicali pazzesche che possono essere realizzate con un compressore: basta avere l’estro di provarci.
Riverbero
Che cos’è?
Il riverbero è essenzialmente uno specchio del suono.
Il suono si propaga da una sorgente in modo strano (ma forse non così strano se siete studenti di fisica), in quanto si propaga verso l’esterno in tutte le direzioni, non solo nella direzione in cui è diretto. Quando le onde sonore colpiscono un oggetto solido, rimbalzano su di esso, provocando una riflessione, o un’eco.
Questo effetto è spesso invisibile all’orecchio in ambienti piccoli, poiché le onde sonore viaggiano tutte così vicine da essere relativamente impercettibili. Detto questo, il riverbero è ovviamente amplificato in spazi ampi, come le cattedrali o le sale studio designate.
I bagni sono spesso ambienti altamente riverberanti a causa dei pavimenti piastrellati – sono sicuro che alcuni di voi hanno passato molte ore in uno di questi ambienti a cantare l’opera, con l’eco che ha trasformato la vostra terribile performance vocale in qualcosa che potrebbe essere scambiata per quella di un virtuoso.
Tale effetto veniva solitamente riprodotto posizionando un microfono in una grande camera di registrazione.
Da allora il riverbero è diventato il Santo Graal degli effetti virtuali, con migliaia di emulazioni digitali di quasi tutti gli ambienti di registrazione immaginabili disponibili per il semplice (anche se spesso costoso) download sulla vostra stazione di registrazione digitale.
Volete replicare l’Abbey Road dove i Beatles hanno registrato, beh, Abbey Road? È possibile farlo. Volete suonare come se le vostre voci fossero state registrate a Notre Dame? Questa opzione è disponibile per voi.
L’elaborazione del riverbero è disponibile anche sotto forma di unità hardware, solitamente contenute in amplificatori per chitarra, sistemi audio, pedali per effetti e apparecchiature analogiche.
Esistono 4 tipi principali di riverbero.
- Riverbero della camera
- Riverbero a piastra
- Riverbero a molla
- Riverbero digitale
La forma originale di riverbero, come spiegato sopra – riverbero a camera – si basa sul posizionamento del microfono in uno spazio acustico.
Il riverbero a piastra iniziò a diventare popolare negli anni ’60, poiché la sua flessibilità aveva superato quella dei riverberi “organici” registrati in una camera d’eco.
Per far funzionare il riverbero a piastre è stato necessario creare un intero dispositivo, soprattutto se si considera che oggi è facilmente emulabile in un minuscolo chip di un computer.
Come suggerisce il nome, una vera e propria lastra d’acciaio era tenuta insieme da corde tese, permettendo alle vibrazioni di un suono emesso da un trasduttore di riflettersi nella tensione del metallo.
Sebbene sia un dispositivo apparentemente complesso e ingombrante, l’avvento del riverbero a lastre ha portato a nuove ed entusiasmanti esplorazioni artistiche da parte di band fondamentali come i Pink Floyd e i Beatles. Sì, probabilmente ne avete sentito parlare.
I riverberi a molla funzionano in modo simile a quelli a piastra, ma sono più piccoli e più economici da produrre.
Come una piastra, un riverbero metallico e scintillante viene simulato trasmettendo il suono da un trasduttore a una superficie metallica, ma utilizza una molla, una bobina avvolgente invece di una lastra piatta.
Grazie alla loro portabilità e al costo relativamente basso, i riverberi a molla sono spesso utilizzati negli amplificatori per chitarra e nei pedali per effetti.
I riverberi digitali comportano una serie di processi elettronici per emulare i metodi di riverbero sopra elencati. Non essendo un appassionato di fisica o di elettronica, non sono in grado di spiegare come i circuiti digitali producano una forma versatile di eco che viene utilizzata nella maggior parte delle attuali applicazioni di riverbero musicale.
È un po’ come un televisore: non so come si accenda, ma si accende, e questo mi basta.
In generale, questo tipo di riverbero è di gran lunga il più versatile, in quanto è in grado di emulare diverse durate, dimensioni della stanza, ritardi, risposte in frequenza, ecc.
Qualsiasi VST utilizzato nella DAW sarà tecnicamente un riverbero digitale, ma molti dei riverberi più popolari sono riproduzioni dei classici apparecchi a piastra, a molla o a camera.
Plugin di riverbero Abbey Road Plate
Come nella precedente sezione sulla compressione, i VST di riverbero hanno troppe caratteristiche uniche e complesse per poterle descrivere tutte nel dettaglio, ma giocare con loro è un passatempo estremamente divertente e un ottimo modo per imparare man mano.
Cambiate ogni manopola e vedete come ogni decisione influisce sul suono della sorgente: è un modo molto migliore per acquisire conoscenze sul missaggio che leggere senza pensare quello che vi dice un tizio su internet.
Come e quando devo usarlo?
L’aspetto interessante del riverbero è che il suo uso è spesso associato alla sperimentazione e all’avventura artistica, cosa ben diversa dalla compressione e dall’equalizzazione, che sono viste principalmente come funzionali. Questo è totalmente sbagliato.
Questa percezione esiste semplicemente perché il riverbero è uno strumento più comune per creare suoni unici, non perché permetta un maggior livello di creatività musicale.
Generi come il post-rock, lo shoegaze, il dream pop e l’ambient ruotano tutti intorno all’uso estensivo di effetti di riverbero, che alimentano questo pensiero.
La realtà è che il riverbero è uno strumento funzionale essenziale per qualsiasi mix. Quando si registra in un ambiente “secco”, cioè il microfono è posizionato in modo da raccogliere solo la propria performance vocale/acustica, il suono risultante è, beh, semplicemente strano. È privo di vita e spento, e l’unico modo per dare una sensazione di naturalezza alla registrazione è aggiungere, ironia della sorte, un riverbero artificiale.
Inoltre, il riverbero è un elemento indispensabile quando si tratta di spaziare una traccia. Una combinazione ben calibrata di equalizzazione e riverbero può creare l’illusione dello spazio, facendo passare in secondo piano alcuni elementi di supporto di un brano e portando in primo piano le tracce principali.
È essenziale per conferire alle registrazioni un suono naturale, ma anche per rendere i mix più profondi, densi e bilanciati. Per non parlare, naturalmente, dei suoi numerosi usi creativi.
È importante non fare un uso eccessivo dei VST di riverbero nella propria musica, a meno che non si intenda creare una certa atmosfera o un certo suono. Troppo eco può portare a una confusione nello spettro uditivo dell’ascoltatore, in quanto gli elementi dei singoli brani progettati per distinguersi si fondono insieme, confondendo la canzone e trasformandola in un grande vuoto sonoro.
ESSERE SOTTILI.
Quindi, vi state chiedendo come evitare di creare quella sovrapposizione di eco e fuzz nelle mie canzoni, senza che le mie registrazioni acustiche suonino secche e innaturali?
Entrare.
Scadenza
Che cos’è?
Il ritardo è esattamente quello che sembra (divertente, vero?). Simile al riverbero, l’effetto delay ruota attorno a un’eco di parte dell’audio, che può ripetersi continuamente, decadere e lasciare un certo tempo tra ogni ritorno del segnale.
Il ritardo si differenzia dal riverbero perché quest’ultimo è concepito come una riproduzione naturale delle onde sonore che rimbalzano continuamente sulle superfici, creando un suono più ricco e denso.
Al contrario, un ritardo è una replica innaturale di una sorgente sonora che riecheggia UNA VOLTA e poi si ferma. Per questo motivo un eco di delay di base suona quasi esattamente come la sua sorgente audio, mentre un eco di riverbero suona più come un paesaggio sonoro misto che come una singola sorgente.
Il ritardo a nastro è una delle prime forme di ritardo facilmente riproducibili utilizzate dai musicisti. Il suo uso comune è iniziato negli anni ’50, sebbene esistessero già altre forme. Questo metodo di ritardo funziona inviando il segnale audio effettivo (in fase di registrazione) a un altro registratore.
Il ritardo tra la ricezione della sorgente audio iniziale e la sua replica sulla testina del secondo nastro creava un’eco che divenne un effetto popolare tra i musicisti.
I delay a stato solido sono apparsi brevemente sul mercato professionale negli anni ’70 come alternativa ai delay a nastro, ma sono stati rapidamente soppiantati dalla forza dominante dell’eco di oggi: il delay digitale.
Plugin Galaxy Tape Echo
Il ritardo digitale funziona in modo molto simile al riverbero digitale, in quanto elabora un segnale attraverso una varietà di mezzi, diciamo così, elettronici, che consentono un’estrema versatilità, portabilità e funzionalità.
Questo metodo di creazione dell’eco è stato naturalmente trasferito al software del computer con la nascita e l’acquisizione ostile delle DAW come mezzo predominante per la produzione musicale, portando alla miriade di VST di delay disponibili oggi sul mercato.
Come e quando devo usarlo?
Poiché ho detto quasi esattamente la stessa cosa per ogni particolare elemento VST, non sarete scioccati da ciò che ho detto:
Il ritardo ha una gamma di funzioni molto più ampia del semplice ritardo.
Quando pensate al delay, sono sicuro che la vostra mente va immediatamente a una delle vostre canzoni preferite, quando l’ultimo verso di un cantante viene ripetuto esattamente per 1/4 del tempo dopo che ha finito di cantare, o come parte dell’intro di una canzone metal guidata dalla chitarra (basta ascoltare una canzone degli U2 per rendersene conto).
Il ritardo può essere utilizzato per una serie di effetti interessanti, sia dal punto di vista creativo che per aiutare un mix a rimanere unito. Dal punto di vista della sperimentazione artistica, il delay può funzionare un po’ come un riverbero, con una certa chiarezza se usato come looper.
Molti chitarristi indie si sono seduti fuori dal quartiere “alla moda” da cui provengono, suonando un accordo di Do maggiore che sembra ingiustamente magico per la presenza di un looper.
Il delay ha la capacità di cambiare completamente l’intonazione e la struttura temporale di una singola traccia o addirittura di un’intera canzone, di rimandare l’ingresso audio al contrario e di aggiungere filtri come la modulazione di fase o l’equalizzazione all’eco.
Tuttavia, scommetto che ora vi state chiedendo: “Ci avete promesso una risposta alla domanda su come evitare di usare troppo riverbero, ma dov’è?”.
Sì, qualche centinaio di parole e la spiegazione più semplice che si è rivelata relativamente complicata dal ritardo e non ho ancora mantenuto la promessa. Beh, potete smettere di trattenere il fiato, perché eccola qui:
Ritardo.
Questo è tutto. La risposta è giusta: ritardare.
Utilizzare invece il ritardo. Evita la confusione, l’eccesso e il mascheramento involontario della chiarezza musicale, consentendo alle singole tracce di mantenere una qualità naturale.
Questo può essere ottenuto – e spesso lo è nella musica pop e rock – utilizzando un delay “slapback”, ovvero un’eco con una singola ripetizione che di solito avviene poco dopo il materiale di partenza, dando l’impressione di un riverbero senza fango.
Esistono numerosi tutorial su YouTube su come implementare correttamente i delay slapback nei vostri mix, ma l’uso del delay al posto del riverbero è uno dei (pochissimi) consigli che sono disposto a dare e che si applica alla maggior parte del vostro lavoro creativo.
Saturazione (distorsione)
Che cos’è?
Sebbene la saturazione sia stata utilizzata – anche se spesso in modo organico – prima dei metodi di produzione musicale contemporanei, i VST di saturazione sono la risposta dell’ingegnere moderno alla digitalizzazione del materiale.
Si tratta di un tentativo di replicare le piacevoli qualità sonore dei metodi analogici originali di registrazione ed elaborazione della musica – nei secoli bui – dando una qualità tonale più potente e soddisfacente alle produzioni digitali che richiedono poche apparecchiature fisiche.
Quando i suoni, che si tratti di un intero mix o di una singola traccia, vengono deliberatamente ruotati e sovraccaricati utilizzando apparecchiature come amplificatori a transistor, amplificatori valvolari e registratori a nastro, il risultato è una distorsione calda e colorata il cui effetto sull’audio può variare da appena udibile a invadente.
Il dolce risultato dei saturatori è dovuto alle “armoniche” che vengono aggiunte a una registrazione digitale o a un suono. Quando una forma d’onda viene distorta, la sua risposta in frequenza originale viene alterata, consentendo l’aggiunta di nuovi strati e texture che non erano presenti all’inizio.
Anche se questo può avere effetti estremi e indesiderati, è il processo di base di un saturatore.
Aggiungendo carattere ai vostri mix e alle vostre registrazioni, introducendo nuove incongruenze musicali, eviterete di perdere la musicalità organica che altrimenti potrebbe andare perduta con il processo digitale.
Come e quando devo usarlo?
Devo dire che i saturatori non sono uno degli effetti più ovvi a cui si pensa quando si inizia a pensare (o meglio a sognare) i VST da aggiungere alla propria collezione di software audio digitale.
Non è che non siano “sexy”, sono solo un po’ impensati? Non so perché, se non per il fatto che molti produttori e compositori esordienti sembrano non conoscerne l’esistenza.
Detto questo, ogni nuovo pedale di “distorsione” è tecnicamente una forma di saturazione (o viceversa), quindi la maggior parte dei musicisti è stata esposta a qualche livello.
Tuttavia, anche se sono relativamente anonimi, i saturatori sono semplicemente fantastici. Fanno solo sembrare le cose belle. La loro presenza in ogni traccia, in ogni mix, in ogni registrazione, se usata e selezionata con cura, è benvenuta. Possono essere (e spesso lo sono) il pezzo mancante del puzzle, il VST finale che trasforma il vostro brano da una bozza finita in una produzione pronta per la radio.
Ti sento ridere in questo momento. Sì, posso. Non chiedetemi come. Che cos’è? Pensate che sia un’idea ridicola mettere la distorsione su uno strumento come una chitarra acustica o un assolo di violoncello, vero?
Lo ammetto, può sembrare così, ma in pratica questa affermazione non potrebbe essere più lontana dalla verità. La saturazione può essere letteralmente (sì, intendo letteralmente) applicata a qualsiasi registrazione, strumentazione o mix, purché sia fatta con un orecchio attento e con uno scopo preciso.
Questo vale per tutti i VST menzionati in precedenza, ma è una lezione particolarmente importante quando si considera uno strumento così potente come la saturazione, uno strumento che può essere inserito in qualsiasi cosa e migliorare il suono della singola registrazione.
Anche se questa traccia può suonare meglio, si rischia di distrarre la voce o l’assolo di chitarra o, paradossalmente, di confondere il brano finale dando a ogni singola registrazione un nuovo livello di chiarezza.
Non prendete mai una decisione “solo perché”. Quando si fanno cose come l’aggiunta di un emulatore di nastro, bisogna sempre avere un obiettivo. Pensate a ciò che volete ottenere e se l’aggiunta di un saturatore a ogni traccia raggiunge questo obiettivo, allora potete sbizzarrirvi.
E come regalo di addio a questa sezione, includerò un consiglio che forse ricorderete. Sono sicuro che vi farà piacere sentirlo.
ESSERE SOTTILI.
La distorsione a nastro è uno degli effetti di saturazione più popolari e piacevoli da ascoltare.
Altri effetti interessanti
Non voglio trattenervi tutto il giorno (e tutta la notte, e tutta la settimana, ecc.), quindi non mi avvicinerò a un elenco esaustivo degli effetti audio che potete acquistare per la vostra DAW/home studio.
Detto questo, citerò brevemente altri elementi popolari che non sono essenziali per il vostro mix come i cinque grandi già citati, ma che possono avere un impatto altrettanto importante ed emozionante.
Analizzatori/misuratori: plugin solitamente visivi che misurano l’ampiezza di un segnale in ingresso e la mettono in relazione con una metrica specifica, spesso lo spettro di frequenza. Questo è utile per confrontare l’equilibrio del vostro mix con altri dello stesso genere.
Chorus: sebbene il chorus possa essere creato utilizzando un delay, esistono molti plugin dedicati all’emulazione di questo effetto con una maggiore malleabilità. Il coro è essenzialmente un ritardo estremamente breve e un piccolo cambiamento di tonalità tra un suono originale e un’uscita.
Filtri: i filtri non sono altro che degli offset di equalizzazione pre-automatizzati, un po’ come quello che ho dimostrato nella sezione EQ, ma di solito in costante movimento/evoluzione. Il classico suono dell’avvio di un motore a reazione può essere ottenuto con un AutoFilter.
Flanger: i flanger funzionano più o meno come i chorus, ma con un tempo di ritardo molto più breve, che provoca un maggiore feedback sulle alte frequenze, dando vita a un suono distinto e risonante. Il coro suona più come un’esplosione detonata – i flanger suonano più come un movimento nell’audio.
Phaser: ancora una volta si basano sulla copia di un segnale (come i chorus e i flanger), ma questa volta senza utilizzare un ritardo. Il segnale viene quindi fatto passare attraverso un filtro che crea una serie di picchi e avvallamenti nello spettro di frequenza. Il suono è simile a quello di un flanger, ma con una dinamica ancora maggiore.
Plugin di panning: in genere consentono l’automazione creativa del panning, utilizzando gate e soglie per stabilire quando e dove un suono designato si sposta nello spettro audio sinistra-destra. Alcuni plugin di panning consentono l'”elaborazione 3D” invece dei semplici 50L e 50R.
Conclusione
Ci auguriamo che ora abbiate una pratica panoramica di alcuni dei più popolari effetti audio disponibili sia nella vostra DAW che nei plugin VST di terze parti.
La maggior parte di queste manipolazioni audio sono emulazioni digitali di vecchie apparecchiature, che permettono ai musicisti dilettanti come me di suonare (forse troppo) senza dover vendere tutta la casa.
Il mondo degli effetti audio e, per estensione, del mixaggio, è così denso e infinito che è impossibile imparare tutto quello che c’è da imparare. Anche i più grandi sperimentano costantemente, scoprendo sempre nuovi modi di sfruttare le onde sonore per soddisfare il proprio pubblico.
Ma se sapessimo già tutto, che senso avrebbe?
Buona fortuna e vi aspetto la prossima volta che studieremo la struttura atomica dei CD.
Scherzo.