Essendo un sito web dedicato ai migliori pianoforti digitali 2024 disponibili, non sorprende che siamo grandi sostenitori della musica digitale. Quasi tutto ciò che facciamo al giorno d’oggi si basa in qualche misura sui computer, e la musica non è da meno.
Una tecnologia di cui avrete probabilmente sentito parlare è il MIDI, che è in dotazione a quasi tutte le tastiere e i pianoforti digitali moderni. Anche se può sembrare arcaico, è uno degli strumenti più potenti nell’arsenale di un tastierista.
Questo è il secondo articolo della nostra serie sui fondamenti della creazione di musica tramite software. In precedenza abbiamo affrontato il temuto problema di collegare le tastiere e i computer. Abbiamo poi mostrato come sia possibile utilizzare i pianoforti software per funzioni di registrazione più flessibili.
A seconda del livello di conoscenza della tecnologia, l’ultimo articolo è stato banalmente facile o una guida utile al regno digitale della creazione musicale. In ogni caso, speriamo che sia servita come introduzione o recensione al mondo del software musicale.
Cosa facciamo questa volta:
Ho concluso l’ultimo articolo con un’affermazione audace. Ho detto che la combinazione di strumenti software e di una DAW era tutto ciò di cui avevo bisogno per creare un brano pronto per la radio. Questa volta voglio provarlo, o almeno avvicinarmi a questo obiettivo.
Il pianoforte è uno strumento dal suono bellissimo e tutti noi apprezziamo di tanto in tanto un buon pezzo per pianoforte solo. Tuttavia, le capacità di una DAW sono in qualche modo sottoutilizzate se la si usa solo per registrare i pianoforti.
Oggi vi mostreremo come arrangiare le canzoni. Più precisamente, ciò significa che aggiungeremo altri strumenti alle nostre canzoni.
Ho un’idea che potrebbe utilizzare batteria, basso e chitarra acustica (supponendo che la pandemia globale sia finita), potremmo affittare uno studio e raccogliere alcune persone competenti con l’esperienza necessaria.
Tuttavia, poniamo alcuni vincoli. È possibile ottenere questa disposizione idealizzata utilizzando la configurazione minima che abbiamo costruito nell’ultima guida (che non ha nemmeno un microfono)?
Probabilmente non è una sorpresa (perché altrimenti questo articolo non esisterebbe), ma la risposta è sì.
La nostra struttura
In sintesi, questi sono gli strumenti che avete a disposizione dopo l’ultima volta:
- Una tastiera MIDI/pianoforte digitale: il nostro mezzo principale per tradurre in dati la nostra effettiva esecuzione. Io uso il Nektar SE49.
- Un computer competente – Per fare le cose con il software è necessaria una certa potenza della nostra piattaforma, ma qualsiasi sistema costruito/rilasciato negli ultimi 7 anni o giù di lì dovrebbe funzionare bene. Personalmente uso il mio portatile di produzione, un Windows 10 di fascia media.
- Una workstation audio digitale (DAW): il cervello principale dell’operazione. È l’hub che gestisce la registrazione, l’editing e la sincronizzazione. Come l’ultima volta, sto usando la suite Ableton Live 10, ma potete usare qualsiasi DAW a cui avete accesso. Ableton Live 10 ha il periodo di prova più lungo di qualsiasi altra DAW moderna, quindi provatelo se non siete sicuri. Se volete saperne di più su altri software DAW, abbiamo messo insieme un’
Ci atterremo alla stessa configurazione dell’ultima volta; gli strumenti aggiuntivi sono plugin software liberamente disponibili che potete scaricare subito. Suggerisco di scaricare e installare tutti questi plugin prima di riavviare la DAW, poiché le DAW eseguono scansioni ogni volta che rilevano i plugin, il che può richiedere del tempo.
Batteria
Steven Slate Drums 5.5 Gratis. Steven Slate Drums è uno dei principali plugin per batteria disponibili e ha rilasciato una versione gratuita nel 2018. È un affare assoluto e la batteria suona benissimo. Sia che vogliate suonare in modo leggero o pesante, queste batterie sono sicuramente pronte per la radio.
Alternativa: MT Power DrumKit 2. Se c’è uno svantaggio di SSD 5.5 Free, è il gran numero di campioni. Se si utilizza un sistema più vecchio, la perdita di prestazioni potrebbe non valere la pena, nonostante la qualità del suono.
MT Power Drumkit è stato il mio plugin di batteria gratuito di riferimento per anni, prima che SSD diventasse gratuito, ed è ancora valido, soprattutto se volete una batteria in stile rock moderno.
Basso
Ampio suono Ampio basso P Lite. Molti plugin per basso sono terribilmente irrealistici. Un vero basso ha solo 4 corde e, anche se ci si prova, non è possibile suonare contemporaneamente le note sulla stessa corda.
La maggior parte dei plug-in per basso basati su campioni ignorano i limiti di un basso reale e finiscono per cadere nel vuoto. L’Ample Bass P Lite utilizza una programmazione intelligente per rimediare a questo problema, e per il resto suona benissimo. Anche se avete bisogno di un basso slap o di note fantasma.
Chitarra
Ample Sound Ample Guitar M Lite. Come per la discussione sul basso realistico, le chitarre sono difficili da suonare al pianoforte e anche i tastieristi più abili non riescono a riprodurre correttamente lo strumming.
AGML, come il suo fratello minore, ABPL, tiene traccia delle note suonate e si assicura che tutto sia umanamente possibile. Ha anche un bel sequencer scratch, che ha un suono così realistico che ho potuto usarlo in jingle commerciali.
Corde
Spitfire Audio Labs. Labs è un plugin che fa molto di più delle semplici stringhe, ma è certamente una delle migliori librerie di stringhe gratuite disponibili sul mercato.
Si ottengono archi legati ben campionati che suonano meglio della maggior parte delle orchestre d’archi fornite con i pianoforti digitali, e si può estendere ulteriormente con la libreria Strings 2, che offre diverse articolazioni come Pizzicato.
È molto facile perdersi nell’ecosistema Labs, quindi ci limiteremo alla libreria originale Strings.
Sintetizzatore
Synth1 di Ichiro Toda. Credo che molte produzioni moderne traggano beneficio da alcuni sottili suoni sintetici e Synth1 è uno dei migliori. Basta dare un’occhiata al sito per pensare che stia scherzando. Il Synth1 è uno dei più brutti strumenti software, senza dubbio, ma questo non toglie nulla alle sue capacità sonore.
Non preoccupatevi dell’interfaccia intimidatoria, useremo i preset forniti dall’utente KVR Mr. Wobbles.
I criteri di selezione di questi plugin sono stati semplici. Dovevano essere liberi e dovevano suonare bene. In generale, non ci si aspetta molto da ciò che non costa nulla, ma questi plugin sono innegabilmente la crema del raccolto e li ho usati tutti, in un modo o nell’altro, per produzioni commerciali o demo.
È sufficiente scaricare questi plugin e installare i loro formati VST nella cartella VST precedentemente creata nell’ultima esercitazione. Se si utilizza Logic Pro come DAW, si consiglia di utilizzare il formato AAX, poiché i VST non sono supportati.
Perché non consigliate (inserire plugin qui)?
A parte il pianoforte, vi consiglio di affidarvi alle mie scelte per il momento. Siamo tutti pianisti e possiamo essere piuttosto esigenti riguardo ai suoni dei tasti. Lo stesso vale per tutti gli altri strumenti virtuali, ma è meglio iniziare con scelte solide senza preoccuparsi troppo di sapere se questi plugin sono davvero i migliori.
I plugin sono una profonda tana di coniglio in cui si può facilmente cadere se si è troppo curiosi. Agli inizi, passavo troppo tempo a provare diversi plugin invece di fare musica.
Per quel che vale, vorrei ribadire che le mie raccomandazioni sono decisamente radiofoniche e le ho usate tutte in produzioni commerciali a un certo punto della mia carriera musicale.
Preparativi preliminari
Se seguite Ableton, notate che lavorerò nella vista Arrangement orizzontale, al contrario della vista Session verticale che il programma utilizza di default. È possibile passare a questa visualizzazione utilizzando il tasto “Tab” della tastiera. In questo modo è anche più facile da seguire per gli altri utenti di DAW.
Ora che abbiamo selezionato i nostri strumenti, configuriamo il nostro ambiente di produzione. Questa sezione può sembrare noiosa e brutta, ma farla in anticipo ci farà sicuramente risparmiare tempo in futuro.
Coglieremo anche l’occasione per risolvere i problemi comuni.
Come l’ultima volta, useremo una workstation audio digitale per fare il grosso del lavoro. Noi lavoriamo con Ableton Live, ma è possibile utilizzare qualsiasi DAW moderna.
Gli stessi principi si applicano a prescindere dall’applicazione e sarete in grado di applicare le competenze apprese in questa sede a qualsiasi situazione.
L’ultima volta abbiamo usato semplicemente la nostra DAW, che ha funzionato abbastanza bene per la semplice registrazione del pianoforte e l’editing MIDI. Tuttavia, possiamo rendere l’esperienza più agevole apportando alcune modifiche e facendo un po’ di attenzione.
Per prima cosa, cerchiamo di ottenere il driver audio e la dimensione del buffer giusti. Il sistema macOS di Apple tende a gestire questo aspetto in modo ottimale per impostazione predefinita, quindi per il momento potete ignorarlo.
Se siete utenti di Windows, vi consiglio di utilizzare i driver ASIO, che risolvono molti dei problemi associati ai driver audio DirectX, come la latenza.
Per gli utenti di Windows
Se utilizzate un sistema più vecchio, potreste aver riscontrato problemi di latenza nell’ultimo articolo. Non è colpa vostra, perché i driver audio DirectX di Microsoft non sono ideali per la creazione di musica.
La maggior parte dei produttori di musica per Windows utilizza un altro tipo di driver audio, chiamato ASIO, che aggira il problema bypassando l’elaborazione audio della scheda madre.
Il protocollo ASIO viene spesso fornito con le interfacce audio esterne, ma possiamo emularlo virtualmente (con tutti i vantaggi in termini di prestazioni) scaricando ASIO4All. Si tratta di un driver audio open source che entra in gioco solo quando si utilizzano software di registrazione o programmi di creazione musicale.
Poiché lavoriamo con diversi strumenti, direi che la sua installazione è obbligatoria. Se si dispone già di un’interfaccia audio esterna, è possibile saltarla.
In ogni caso, una volta installato ASIO4All, basta andare nelle impostazioni audio del software e selezionarlo come driver audio.
Impostazioni della dimensione del buffer
Forse ricorderete la discussione sulle dimensioni del buffer nell’ultimo articolo. In sostanza, i buffer di campionamento più piccoli sono più efficienti nel ridurre la latenza, ma sono anche più intensivi per la CPU.
Provare a ridurre la dimensione del buffer a 128 campioni e vedere se il computer è in grado di gestirlo. A tal fine, fare clic su “Configurazione hardware” nella sezione Audio della finestra Preferenze.
La maggior parte dei sistemi non avrà problemi all’inizio, ma se si iniziano a sentire problemi nelle parti successive di questa guida, si può spingere fino a 256 campioni. La modifica di questi valori al volo non influisce affatto sulla latenza, grazie ai clock di sincronizzazione integrati nelle DAW.
Proviamo quindi a regolare l’interfaccia utente. Potreste essere soddisfatti dell’aspetto predefinito della vostra DAW, ma io sono dell’idea che una taglia non vada bene per tutti e che cambiare elementi come la dimensione dei caratteri e lo schema dei colori possa contribuire a rendere l’esperienza più piacevole.
Impostazioni dell’interfaccia utente
È una cosa che faccio sempre con il software. Spesso l’aspetto predefinito del programma non corrisponde perfettamente alle vostre preferenze.
Questo è particolarmente evidente se si utilizza uno schermo ad alta risoluzione, in quanto il testo è così piccolo da essere a malapena leggibile.
Mi piace anche utilizzare la modalità scura. Se si trascorre molto tempo davanti allo schermo del computer, un tema scuro è più facile da vedere.
Fortunatamente, Ableton Live include queste opzioni di personalizzazione. Sono accessibili tramite la stessa scheda Preferenze, sotto la voce Look/Feel. Le mie impostazioni personali sono mostrate qui sopra, ma potete giocare con i cursori finché non vi soddisfano.
Infine, controlliamo che i nostri plugin VST siano installati correttamente. Ogni DAW cerca nuovi plugin all’avvio, quindi in teoria dovrebbe essere tutto a posto.
Purtroppo, alcuni plugin possono avere un percorso di installazione strano, o forse avete usato una cartella di plugin VST personalizzata. Il modo più semplice per verificarlo è caricare il plugin nella propria workstation audio e vedere se viene caricato correttamente.
Problemi comuni con i plugin
Una buona abitudine da prendere è quella di controllare la cartella dei plugin prima di installarne di nuovi. È possibile farlo dal menu delle preferenze del software. Trovo che in questo modo si evitino molte frustrazioni legate ai plugin.
Tenete inoltre presente che i plugin sono spesso disponibili in versioni a 32 e 64 bit. La maggior parte dei plugin moderni ha adottato il formato a 64 bit, che ha il vantaggio di poter utilizzare più di 4 GB di RAM.
Ableton Live 10 ha completamente rimosso il supporto per i plugin a 32 bit, ma alcune altre DAW (come Reaper) includono funzioni di bridging che garantiscono la compatibilità.
Per motivi di sicurezza e stabilità, optate per i plugin a 64 bit. I guadagni in termini di prestazioni valgono la pena.
Ora che abbiamo eliminato la parte più noiosa del processo, possiamo entrare nel vivo di questa guida. Facciamo un po’ di musica.
Fase 1: scrivere una canzone
Questa fase è probabilmente la più lunga dell’intero processo, ma è quella che considero più importante. Anche se stiamo facendo solo un breve tutorial sugli strumenti di arrangiamento, avere una buona idea sarà molto utile.
Forse conoscete l’espressione “noodling”, che si riferisce al processo di riproduzione di idee a caso, senza una logica o un motivo, senza mai ricordarle o perfezionarle.
Questo è un aspetto che si dovrebbe cercare di evitare. Anche se avete un’idea molto approssimativa, è meglio che partire da zero. Dopo tutto, anche la più piccola guida può fare la differenza.
Per trarre il massimo da questa guida, vi consiglio di prendervi un’ora di tempo per trovare le idee. Suonate alcuni accordi e melodie al pianoforte e registrateli. Anche se avete solo un’introduzione e una strofa, è meglio di niente.
Se possibile, cercate di pensare a tutti gli strumenti che avete attualmente. Abbiamo pianoforti, batteria, basso e chitarre. È una band completa, quindi cercate di lavorare all’interno di questi vincoli.
Una volta terminato, possiamo iniziare a rendere l’idea più completa.
Ai fini di questo tutorial, inizierò con un’idea legata al lavoro con la mia etichetta. Sto cercando di scrivere una canzone pop rock taiwanese, con un tempo decente di 80 battiti al minuto e un back beat orecchiabile. Voglio anche mantenere le cose abbastanza chiare da lasciare spazio alle voci e alla linea vocale.
È un’idea approssimativa, ma è sufficiente per costruire.
Sapere cosa voglio significa anche poter impostare il tempo e il metronomo per facilitare la registrazione. Si noti che utilizzo anche un conto alla rovescia di una battuta per facilitare la registrazione.
Si può notare che uso un tempo di 8/8. Si tratta solo di una preferenza personale, ma a me piace avere un metronomo più veloce per mantenere il ritmo. Sentitevi liberi di lasciare il vostro in 4/4, o anche in 3/4 se avete voglia di ballare il valzer.
Fase 2: registrazione dell’idea fondante
Poiché siamo pianisti, inizieremo registrando le parti di pianoforte. Se non sapete da dove cominciare, potete consultare l’articolo precedente di questa serie, in cui vi illustriamo le basi della registrazione di pianoforti software.
Per riassumere, carichiamo il nostro plugin di pianoforte, attiviamo il metronomo e attiviamo la traccia di pianoforte per la registrazione. A quel punto non ci resta che premere il pulsante di registrazione e suonare. Ricordate che a questo brano verranno aggiunti batteria e basso, quindi è meglio suonare a ritmo il più possibile.
Mappatura dei tasti: per comodità, assegno anche il tasto ‘R’ della tastiera del mio computer al tasto di registrazione. Questo mi permette di registrare diverse riprese senza dover usare il mouse, risparmiando tempo.
Personalmente, ho fatto diverse riprese prima di ottenerne una che mi soddisfacesse, quindi non abbiate paura di compilare diverse riprese.
Ad esempio, si può notare che ho utilizzato riprese separate per l’introduzione e la strofa. Potreste considerarlo un imbroglio, ma la mia posizione è che è mia responsabilità scrivere buone canzoni, non ottenere singole riprese perfette.
Comping: nella sua forma più elementare, il comping consiste nel prendere diverse riprese e metterle insieme. Questa tecnica viene utilizzata soprattutto per le esecuzioni vocali, a volte in modo radicale come l’utilizzo di riprese diverse per ogni sillaba della parola. Esistono modi molto dettagliati per farlo in altre DAW, ma la funzionalità di comping di Ableton Live è in ritardo rispetto alla concorrenza.
Va notato che probabilmente registreremo nuovamente queste parti in un secondo momento. Questa è solo l’idea di base su cui ci baseremo, non la parte finale del pianoforte. Se desiderate applicare alcune delle tecniche di editing MIDI di cui abbiamo parlato sopra, non esitate a farlo.
Modifica MIDI: le modifiche più comuni riguardano la velocità e il tempo delle note, che possono essere effettuate facilmente trascinando il mouse. Il modo migliore per familiarizzare con gli strumenti disponibili è giocare con i parametri e premere il pulsante play per ascoltare le modifiche apportate.
Ricordate che Ctrl/Cmd Z è la scorciatoia per annullare e spesso può salvarvi da una modifica sbagliata.
La quantizzazione è uno degli strumenti più utili a disposizione degli utenti di DAW. Tenta automaticamente di allineare le note alla griglia corrente, il che lo rende uno strumento perfetto per correggere le imprecisioni del tempo senza modificare la sensazione generale dell’esecuzione.
Per impostazione predefinita, le opzioni di quantizzazione sono pesanti e allineano tutto perfettamente, dando una sensazione robotica. Tuttavia, possiamo ridurre l’intensità a circa il 30%, per ottenere un’impressione più accurata, ma non troppo sterile.
Passo 2.5: salvare il progetto
A questo punto, abbiamo fatto il primo passo verso la realizzazione della nostra idea. È il momento di salvare il nostro progetto.
La maggior parte delle moderne DAW sono molto stabili e raramente si bloccano, ma ricordo ancora le volte in cui ho perso ore di lavoro a causa di un’interruzione di corrente o di altri problemi. Abituatevi a salvare con la scorciatoia Ctrl/Cmd S e vi risparmierete molte frustrazioni.
Potete dare al file il nome che preferite, ma personalmente mi piace nominare i miei file di progetto nel formato ‘{BPM} – {Descrizione della traccia}’, sostituendo le parentesi graffe con i dettagli pertinenti.
In questo caso registro il brano come ’82 – Pop Rock Draft’.
In questo modo si aggiunge semplicemente un livello di organizzazione e si garantisce la possibilità di recuperare il file del progetto tra qualche anno senza dover ricorrere a una ricerca esaustiva.
Fase 3: stabilire un ritmo
A questo punto abbiamo stabilito un progetto, è ora di iniziare a costruire sulle fondamenta.
Si può facilmente iniziare con altri strumenti, ma personalmente preferisco iniziare con la batteria. Ecco perché:
- Il ritmo è fondamentale: è molto più facile suonare “in the pocket” quando si ha un ritmo da seguire.
- Pianificare l’energia: impostare il ritmo della batteria in anticipo mi permette di pianificare i punti di interesse, come i chokes o i fills, e serve a ricordare in modo divertente di suonare insieme.
- Controllare il ritmo: se siete esperti di musica contemporanea, avrete imparato che è possibile manipolare il “feel” di una canzone modulando tra tempo normale e doppio.
Esistono due modi principali per registrare una batteria. Si può suonare con la tastiera o utilizzare il sequenziamento MIDI. A seconda del vostro livello di tastiera, potreste preferire l’uno o l’altro.
Ecco un rapido elenco delle mappature MIDI standard della batteria:
Questo layout si basa sulle specifiche General MIDI ed è praticamente utilizzato sulle batterie Steven Slate. È anche molto pratico una volta che ci si è abituati. L’esecuzione dal vivo non rientra nell’ambito di questa guida, quindi lascio a voi la possibilità di saperne di più, se lo desiderate.
Tamburi a tastiera: i tamburi a tastiera sono disponibili in una varietà di stili, il che, per coincidenza, vale anche per i tamburi veri e propri. La maggior parte delle persone sceglie di suonare la grancassa, il rullante e i tom con la mano sinistra. In questo modo la mano destra è disponibile per tutti i piatti.
Questa è una breve spiegazione; se siete veramente interessati, vi consiglio di leggere una spiegazione più approfondita dell’argomento.
Non sono abbastanza sicuro della mia capacità di suonare la batteria alla tastiera, quindi lavorerò con il sequenziamento MIDI. È anche più facile da usare se non si ha troppa familiarità con i concetti di batteria.
Sequenziamento MIDI: ne abbiamo parlato brevemente la volta scorsa, ma il sequenziamento MIDI si riferisce semplicemente al processo di scrittura delle note con il mouse, piuttosto che alla registrazione MIDI. Questo è molto utile per le tracce di batteria, in quanto non vogliamo troppe derive ritmiche, se non addirittura nessuna.
Il cuore di un ritmo di batteria è costituito dalla cassa e dal rullante. Per ora ci concentreremo sui tasti C1 (Kick) e D1 (Snare).
Inizieremo creando una nuova traccia MIDI e caricando il plugin Steven Slate Drums. Quindi, caricare la batteria disponibile facendo clic sul kit Deluxe 2 Free Edition.
Ho rinominato la traccia di pianoforte “Piano” e ho chiamato questa nuova traccia MIDI “Drums”. Cerco di tenere le cose organizzate il più possibile. Questa è un’altra piccola abitudine utile che funziona molto bene.
Inseriamo quindi un clip MIDI di 8 battute intorno alla nostra parte di pianoforte.
Per farlo, è sufficiente evidenziare l’area in cui si desidera collocare la batteria, fare clic con il pulsante destro del mouse e selezionare l’opzione ‘Inserisci traccia MIDI’. Si ottiene così un clip MIDI vuoto, sul quale si può fare doppio clic per iniziare a modificarlo.
Iniziamo creando un semplice loop di batteria “4 on the floor”. Il kick viene battuto su ogni battuta e il rullante su ogni altra battuta. Ricordate che potete usare Ctrl/Cmd C e Ctrl/Cmd V per copiare e incollare, risparmiando tempo.
Al momento suona un po’ blando, e questo perché non usiamo i piatti. Aggiungiamo la “pulsazione” principale con gli hi-hat chiusi in doppio tempo. Si noti che aggiungo occasionalmente degli hi-hat aperti e uso anche diversi livelli di velocità per aggiungere variazioni.
Grazie ai nostri eccellenti campioni di batteria, il ritmo ha già un aspetto curato. Tuttavia, è un po’ ripetitivo. Spostiamo le note nella quarta battuta per aggiungere qualche variazione.
Aggiungeremo anche un piatto crash sui primi battiti della prima battuta. Si tratta di riempimenti molto semplici, ma che rendono il suono della batteria programmata un po’ più umano.
Dato che mi sto orientando verso uno stile rock, voglio avere un ritmo più forte, ma voglio anche che sia introdotto gradualmente. Non sono nemmeno un grande fan del ritmo a quattro battute, quindi ho apportato alcuni cambiamenti radicali qua e là, per rendere il suono molto più rock.
Ecco come appare e suona il mio clip MIDI finale.
- Molti batteristi amano usare contemporaneamente i piatti crash destro e sinistro, quindi facciamo lo stesso. Si noti che ho anche modificato il MIDI dei piatti crash in modo che non colpiscano tutti esattamente nello stesso momento.
- I toni più scuri indicano che le note del rullante hanno una velocità inferiore. Si tratta di note fantasma, che permettono al batterista di far girare il ritmo con la mano sinistra libera.
- Queste note veloci del rullante sono quelle che i batteristi chiamano “flam”. Questo non sembra molto realistico, dato che i veri flam sono raramente perfettamente in ritmo, ma nel contesto della canzone funziona.
- Nessuno ha detto che i crash possono avvenire solo sulla prima battuta, quindi aggiungiamo di tanto in tanto un po’ di impatto ai nostri rullanti.
- A questo punto mi sono allontanato dagli hi-hat aperti e sono passato ai piatti ride. Le occasionali note a doppia battuta si ispirano ai batteristi jazz e sono un ottimo modo per aggiungere groove al ritmo.
Note sul fantasma: Questa è probabilmente la differenza più grande tra il nostro ritmo di base e il ritmo finale. Aggiungo qualche colpo di rullante a bassa velocità per mantenere il ritmo, anche al di fuori dei downbeat.
Spero che la clip metta in evidenza anche il modo in cui utilizzo la batteria per pianificare alcuni “punti di interesse”. Alla fine delle prime 4 battute aggiungo alcuni elementi di “lead in”, in cui la batteria esegue alcuni giri di piatti prima di entrare con forza. Questa è un’idea che era nel mio progetto originale di pianoforte e, grazie alla batteria, la sto realizzando.
Un vero batterista avrebbe probabilmente qualche osservazione da fare, ma credo che per ora sia sufficiente. Continuiamo con la parte successiva della spina dorsale di una canzone, il basso.
Fase 4: Aggiunta della parte inferiore
Il basso è spesso considerato la spina dorsale della musica, e personalmente sono d’accordo. Il basso è molto difficile da ottenere, ma l’impegno profuso può fare la differenza.
Anche in questo caso, i pianisti competenti possono facilmente cavarsela suonando le parti di basso dal vivo, ma vorrei cogliere l’occasione per guidarvi attraverso il sequenziamento melodico via MIDI.
Nella sezione precedente abbiamo usato l’editing MIDI per disegnare i nostri pattern di batteria e direi che i risultati parlano da soli. Proviamo a replicare questo processo qui. Si inizia creando una nuova traccia MIDI e si carica il plugin ABPL.
Le funzioni di ABPL sono numerose, ma il suo modo di suonare legato e fingerstyle è esattamente quello che vogliamo. Se si desidera utilizzare suoni di basso staccato o slap, provare a passare il mouse sulla tastiera a schermo nell’interfaccia del plugin per saperne di più.
Per prima cosa, iniziamo con una semplice linea di basso che segue i nostri accordi. Per ora ci limiteremo alle basi assolute e utilizzeremo solo le note fondamentali.
Ho lasciato il MIDI del mio pianoforte originale come note in grigio per riferimento. È possibile disattivare le note premendo il tasto Numpad 0 se si desidera fare la stessa cosa.
Se siete pigri, potete semplicemente copiare il MIDI dalla traccia del pianoforte e cancellare le note superiori, ma non ve lo consiglio. Ricordate quando abbiamo detto che il ritmo è fondamentale e come abbiamo usato questo concetto per giustificare l’uso della batteria in sequenza?
Ebbene, lo stesso vale in questo caso. La batteria non è l’unico aspetto del ritmo, il basso è un altro elemento importante.
Anche se decidete di lavorare con la copia, cercate di utilizzare una quantizzazione più pesante per mantenere solida la pulsazione ritmica. Questo è ciò che abbiamo finora.
Per ora suona bene, ma è un po’ spento. Ricordate che il basso fa parte principalmente della sezione ritmica. Quindi dovremo lavorare con la batteria, invece di seguire solo gli accordi.
Una regola semplice è quella di seguire la cassa. In questo modo si ottiene una pulsazione ritmica molto solida e nella maggior parte dei casi è sufficiente. Si può anche provare a tagliare le note sui rullanti a ritmo, prima di riportarle sul kick successivo (è una cosa che ho seguito molto vagamente in questo brano).
Mi rendo conto che il mio ritmo di batteria originale è un po’ frenetico, ma utilizzando queste semplici regole otteniamo qualcosa di simile.
Questa volta ho lasciato il MIDI della grancassa e del rullante come riferimento. So già quali sono gli accordi, quindi il MIDI del pianoforte non è così necessario.
È un po’ noioso, però, e nessun vero musicista si fermerà lì. Proviamo a dare un po’ di pepe alla situazione. Avrete già notato che ho lasciato le mie canzoni piuttosto scarne.
Cerchiamo di colmare queste lacune con alcuni riempimenti di basso.
La maggior parte dei tastieristi contemporanei probabilmente sa molto di più sulla teoria della composizione di parti di basso, ma io mi atterrò a regole semplici.
Ci atterremo alle scale e cercheremo di muoverci tra gli accordi in modi diversi. Questo avviene accorciando le note in punti strategici e riempiendo gli spazi vuoti.
Abbiamo reso la nostra pulsazione ritmica molto più interessante e, oserei dire, più umana.
In tutta onestà, mi capita spesso di lasciare le parti di basso ai musicisti di sessione. C’è qualcosa di magico nel lavoro di un bassista esperto che lo porta al livello successivo. Potremmo provare a emulare questo aspetto in MIDI utilizzando slide e hammer-on, ma credo che per ora sia sufficiente.
In alternativa, è possibile disattivare i brani precedenti o semplicemente ridurne il volume. In Ableton, questi sono i controlli della traccia all’estrema destra dell’Arrangement Display, proprio accanto al pulsante “Start Recording”.
Questi controlli sono estremamente utili, quindi abituatevi a usarli.
Fase 5: Aggiunta di una chitarra strimpellata
Come i bassi, le chitarre possono essere suonate in una moltitudine di modi. Si potevano suonare le note, usando essenzialmente la chitarra come un pianoforte la cui polifonia è limitata a 6 note. Tuttavia, questa volta è la tecnica di strimpellamento che mi interessa.
Lo strimpellamento è quasi impossibile da emulare con le tastiere e spesso è necessario affidarsi a un musicista di sessione o a un pacchetto di campioni per ottenere l’effetto desiderato. Tuttavia, AGML è uno dei pochi plugin che permette di programmare facilmente le parti strimpellate.
Facile è un eufemismo. Ci vuole un po’ di preparazione e di comprensione, ma i risultati ne valgono la pena.
Ancora una volta, carichiamo una nuova traccia MIDI e inseriamo AGML in essa. L’interfaccia è molto simile a quella di ABPL, quindi esploratela pure se volete personalizzare i suoni della vostra chitarra in modo più dettagliato.
L’interfaccia è impostata su una modalità di riproduzione basata sulle note, ma è possibile passare alla modalità “chord-scratching”, che richiede un certo lavoro di preparazione.
Prima di tutto, attiviamo la modalità di modifica dello strumming facendo clic sul pulsante corrispondente. Si apre un’interfaccia che sembra molto complessa. La difficoltà di comprensione di questa pagina dipende in realtà dal vostro livello di padronanza della chitarra.
- Il progettista di forme di accordi. Se siete un chitarrista, potete posizionare le “dita” virtuali nelle vostre posizioni ideali sul manico. Se non lo siete, non perdete la speranza, perché ci sono…
- Il selettore degli accordi. Sono disponibili 24 slot (13-24 accessibili con il pulsante 2 in basso a destra). Si inizia selezionando la radice dell’accordo (C), quindi il tipo di accordo (minore). In questo modo si evita di dover conoscere la diteggiatura della chitarra, il che è un vantaggio per chi scrive canzoni!
- Il modellista. Ci sono i tipici colpi verso l’alto e verso il basso, così come le varianti a metà corsa. Esistono anche corde individuali, choke e note fantasma, ma ho mantenuto le cose semplici utilizzando i 3 tratti principali.
Poiché abbiamo già stabilito i nostri accordi in fase di schizzo, possiamo aggiungere immediatamente i nostri accordi all’elenco. Per ora mi attengo alle mie idee iniziali di accordi, usando principalmente accordi maggiori e minori, con una dominante 7 e accordi diminuiti per i passaggi.
Se ne avete voglia, potete anche aggiungere inversioni speciali o versioni aumentate dei vostri accordi, ad esempio aggiungendo i 7 e i 9. Questo aggiunge un certo interesse armonico al mix, ma per ora ci limiteremo a mantenere le cose semplici.
Il vantaggio di utilizzare una sequenza basata sul MIDI è che possiamo facilmente cambiare i nostri accordi in futuro, semplicemente facendo clic su alcuni pulsanti.
Se l’editing dello strumming vi confonde, vi suggerisco di guardare alcuni video di chitarristi acustici che strimpellano per farvi un’idea. Dedicare un po’ di tempo a ricreare veri e propri schemi di strimpellamento può aiutare a familiarizzare con questo plugin.
Per ascoltare il modello scratch in sequenza, è possibile fare clic sul pulsante play per ascoltare le modifiche apportate. Si noti che si sincronizza anche con il tempo, il che è solo una delle meraviglie dell’integrazione dei moderni software musicali.
Per cominciare, utilizziamo lo schema predefinito fornito da AGML. Si tratta di un modello molto elementare, ma che suona bene una volta che l’abbiamo arrangiato con la nostra canzone. Ho assegnato gli accordi 1-5 come accordi utilizzati nella mia canzone.
Mi rendo conto che il Do# maggiore è ripetuto nelle caselle 2 e 5, ma intendo aggiungere in seguito un’inversione diversa per l’ultima battuta. Sono fortunato perché la mia idea di canzone ha solo 4 accordi.
Quindi, attiviamo l’interruttore sinistro per mettere il plugin in modalità strumming.
… e suonare gli accordi corrispondenti via MIDI. Fate riferimento alla tastiera del plugin per capire perché ho scelto queste note specifiche.
In sostanza, le note più basse cambiano gli accordi. La nota più alta sceglie il pattern di strimpellamento da eseguire. In questo caso, sto utilizzando un unico modello, per cui il suono è perfettamente funzionante.
Direi che suona bene, ma ci sono alcuni problemi. Il modello semplice si adatta sorprendentemente bene, ma non si adatta altrettanto bene quando spengo la batteria. In effetti, non segue i ritmi che avevamo meticolosamente pianificato in precedenza. Personalmente, credo che il problema più grande sia che la dinamica della chitarra è completamente sbagliata.
Il primo problema è abbastanza facile da risolvere. Cambiamo il modello personalizzandolo. È molto complicato e ammetto che ero davvero tentato di “imbrogliare” prendendo la mia chitarra acustica e registrandola, ma non ci fermiamo qui. Non è nemmeno necessario limitarsi a un solo modello di graffio.
L’uso di toni diversi ci permette di aggiungere variazioni e di richiamarli se necessario. Uso alcune altre posizioni del modello per ottenere una certa variazione, in particolare per le nostre due sezioni di riempimento.
Ora uso tre pattern invece di uno e il suono è un po’ più vicino a quello che intendevo originariamente.
Aggiungiamo il pianoforte e abbassiamo leggermente il volume.
È un grande miglioramento, ma abbiamo dovuto dedicargli molto tempo. Probabilmente potrei apportare qualche altra modifica per rendere il suono ancora più realistico, ma credo che sia abbastanza buono così com’è. La chitarra non è lo strumento principale del brano e, con un po’ di bilanciamento del suono e di mixaggio, si inserirà perfettamente.
Anche se avrei potuto semplicemente mettere un microfono sulla mia chitarra e fare la stessa cosa senza dovermi preoccupare del sequenziamento, è bello sapere che esistono plugin come questo per chi non possiede o non sa suonare una chitarra.
Se avete bisogno solo di chitarre basate sulle note, siete già pronti. Suonando un qualsiasi tasto della tastiera si attiva una nota sulla chitarra virtuale, e si noterà che il plugin cerca di forzare le note nei limiti di una chitarra reale.
Ad esempio, se si suona una nota sulla stessa corda, la nota precedente verrà automaticamente tagliata, con uno slide o un hammer-on, a seconda della forma attuale delle altre dita virtuali.
Come chitarrista, sono molto colpito e sorpreso che le stesse tecniche di pre-elaborazione non siano già state implementate su tastiere e workstation di fascia alta.
(Questo spiega anche perché sono troppo severo quando valuto i campioni di chitarra incorporati, voglio dire seriamente, un plugin gratuito può farlo, quindi perché i grandi marchi non possono fare qualcosa di simile).
Fase 6: Aggiunta di archi orchestrali
La nostra canzone sembra già abbastanza completa, ma manca qualcosa. Il più delle volte si tratta di aggiungere un elemento musicale sostenuto, come gli archi legati, alla nostra canzone.
Fortunatamente, questi strumenti sono basati sulla chiave. Ciò significa che non dovrete imparare strane tecniche per ottenere un suono soddisfacente dai vostri plugin.
Come sempre, iniziamo aggiungendo una traccia MIDI e caricando il plugin LABS di Spitfire Audio. Non dimenticate di caricare anche la libreria di stringhe nel menu a discesa.
Ora potete suonare in modo naturale sulla vostra canzone, e vi consiglio di farlo per cominciare. È importante conoscere bene la libreria di archi che si sta utilizzando e capire le sfumature di come la velocità influisce sull’attacco e sul rilascio dei campioni.
Se l’ultima frase non ha senso, non preoccupatevi troppo. L’attacco si riferisce essenzialmente al tempo necessario a un campione per raggiungere il volume massimo. Un attacco alto conferisce al suono una qualità di gonfiore, mentre un attacco basso conferisce ai suoni un effetto diretto e incisivo.
Nel frattempo, il termine “rilascio” si riferisce al tempo necessario al campione per spegnersi dopo il rilascio dei tasti.
Non dimenticate di provare a giocare con la manopola. Nel caso di LABS, controlla il volume delle corde. In alcune altre librerie di archi è possibile controllare manualmente il vibrato.
Personalmente, il mio processo di produzione delle corde si svolge in questo modo.
- Iniziate registrando un gioco MIDI dal vivo per avere delle idee.
- Utilizzare una quantizzazione pesante e l’editing manuale per ripulire la registrazione.
- Fate un po’ di sequenze MIDI per aggiungere interesse.
- Modificate manualmente la velocità MIDI e la modwheel per aggiungere realismo.
È un bel ciclo di sperimentazione e miglioramento iterativo delle cose, che sembra essere un modo efficace di lavorare. Ho visto professionisti fare riprese dal vivo una tantum, ma non sono ancora a quel livello.
Uso alcuni accordi di base con 7 e 9, e direi che suona bene.
Cerco di fare del mio meglio per mantenere costante il numero massimo di note suonate in ogni momento per ogni blocco. Un quartetto d’archi o un’orchestra non possono aggiungere nuovi musicisti al volo, quindi imporre questa limitazione aiuta a mantenere un senso di coerenza.
Se dovessi muovere una critica, sarebbe che gli archi suonano un po’ come un ripensamento. Non c’è un vero e proprio “sviluppo” nel corso della canzone.
Ora cercherò di aggiungere alcune modifiche manuali per accentuare le note di passaggio e riempire alcuni vuoti nella canzone. Il MIDI sembra un po’ più complesso, ma personalmente ritengo che i risultati ne valgano la pena.
A parte questo, ho anche usato l’editor MIDI per aggiungere un po’ di modulazione con la modwheel. Vi si accede tramite questo piccolo simbolo sotto l’editor MIDI e selezionando il CC MIDI corrispondente da modificare.
Avrete notato che anche “Hold Pedal” e “Pitch Bend” sono opzioni. Provate a usarli, se vi piacciono.
La mia idea prevede una semplice outro con il solo pianoforte, quindi una ruota di modulazione discendente fa sì che gli archi si spengano gradualmente.
A questo punto, credo che il nostro brano sia pronto per essere esportato. Poi la mando a un topliner o a un paroliere per aggiungere le voci. Tuttavia, non è ancora arrivato a destinazione.
A parte l’ovvio problema della mancanza di missaggio, non suona nemmeno “speciale”. È certamente “buono”, ma dovremmo cercare di renderlo “interessante”.
Se siete già soddisfatti di ciò che avete, passate pure alla fase successiva. Tuttavia, credo che saper usare i sintetizzatori sia un’abilità preziosa da possedere.
Fase 7: Aggiunta di sintetizzatori elettronici
Una delle cose che mi piace fare musica al computer è l’enorme varietà di suoni disponibili. I sintetizzatori analogici fisici sono estremamente costosi e probabilmente fuori dalla portata del grande pubblico. Fortunatamente per noi, i sintetizzatori software esistono e sono molti.
I sintetizzatori sono uno dei miei strumenti musicali preferiti, grazie all’enorme grado di personalizzazione che si può ottenere.
La maggior parte dei sintetizzatori espone quasi ogni aspetto del motore sonoro, e questo grado di controllo è davvero liberatorio.
Le fasi di funzionamento di un sintetizzatore vanno ben oltre lo scopo di questo articolo, ma non è necessario capire cosa fanno tutti i pulsanti.
Utilizzeremo semplicemente alcuni dei preset, ma apporteremo alcune modifiche per far sì che i suoni si adattino meglio al nostro brano.
Ci occuperemo di due tipi principali di suoni di sintetizzatore: i pad e gli arpeggiatori. Non dimenticate che è possibile utilizzare i sintetizzatori anche come bassi, basi o persino come generatori di effetti sonori.
Prima di tutto, proviamo a utilizzare un suono di pad al posto delle corde.
Come di consueto, inizieremo caricando una nuova traccia MIDI e il plugin Synth1. Questa volta si disattiva anche la traccia degli archi. In Ableton Live, ciò avviene facendo clic sull’icona dell’altoparlante nella traccia corrispondente.
Quindi, confermiamo che il nostro pacchetto di preset Mr. Wobbles è stato installato correttamente. Se avete problemi, provate a controllare alcune delle risposte contenute in questo post del forum. In pratica, è necessario fare clic sul pulsante “opt” dell’interfaccia e assegnare il pacchetto di preset a un banco libero.
Sfortunatamente, i preset predefiniti di Synth1 non gli permettono di mettere in mostra le sue capacità. Fortunatamente, il pacchetto di preset che vi consigliamo è dotato di una tonnellata di suoni straordinari, utilizzabili subito dopo l’acquisto.
Possiamo quindi caricare il banco facendo clic sul display di testo più basso. Nel mio caso, il pacchetto di preselezioni è assegnato al banco 00. Facendo clic su di esso, si scoprono anche i 128 suoni inclusi, etichettati per tipo.
Poiché stiamo esaminando specificamente i pad, scegliamo il preset #75, l’Euphoni PAD. Si tratta di un ottimo cuscinetto con un po’ di movimento sottile e di ampiezza. Possiamo quindi registrare o mettere in sequenza le parti del pad che desideriamo.
Personalmente, ho semplicemente copiato il MIDI dalla traccia degli archi e l’ho spostato di un’ottava. Poiché ho mantenuto una disposizione delle corde piuttosto semplice, si adatta perfettamente. Ricordate la modulazione della modwheel che ho aggiunto? Influisce anche sul movimento del filtro del sintetizzatore.
Il suono è abbastanza buono, ma mi manca la ricchezza diretta degli archi. Fortunatamente, non dobbiamo scegliere tra l’uno e l’altro. Possiamo stratificare i due suoni e riprodurli contemporaneamente.
Per migliorare il suono del pad con le corde, apporterò alcune modifiche. Mi sembra che il sintetizzatore impieghi un po’ troppo tempo a spegnersi, quindi ho ridotto il rilascio dell’amplificatore e il feedback del delay. Inoltre impiega un po’ troppo tempo ad aprirsi, quindi ho abbassato leggermente l’attacco del filtro.
- L’inviluppo dell’amplificatore che influenza il volume del suono nel tempo. Ho modificato le manopole Attack (A) e Release (R) per adattarle al mio brano.
- L’inviluppo del filtro che influenza la luminosità del suono nel tempo. Anche in questo caso, ho modificato l’attacco (A) e il rilascio (R). Sentitevi liberi di giocare con la frequenza e la risonanza.
- Unità di ritardo incorporata. Ho abbassato i controlli Dry/Wet e Feedback per renderlo più discreto.
Sentitevi liberi di modificare i pulsanti per vedere cosa fanno. Queste sono le impostazioni che ho utilizzato per il seguente clip audio.
Ho anche scelto di rimuovere la nota MIDI più bassa dal pad e la modulazione della modwheel. In questo modo si rimuove parte del movimento indesiderato delle basse frequenze, che non credo si adatti all’idea del mio brano.
Penso che i sintetizzatori siano molto adatti a migliorare i suoni esistenti in questo modo, perché sono così strani che si possono tagliare le parti che non piacciono.
Ho anche applicato un equalizzatore low-cut per rimuovere parte del rimbombo delle basse frequenze, ma di questo parleremo nell’ultimo articolo di questa serie, dedicato al missaggio.
Infine, aggiungiamo un bell’arpeggiatore ai nostri fills. Non voglio che questo suono sia una presenza costante per tutta la canzone, voglio solo che porti alla seconda metà della nostra sezione strumentale principale. Consideratela come una sottile “caramella per le orecchie”, potenzialmente in grado di aggiungere un po’ di memorabilità.
Caricate l’ultima nuova traccia MIDI della giornata e aggiungete una nuova istanza di Synth1.
Invece di utilizzare uno dei preset arpeggiatori inclusi (contrassegnati dalla sigla ARP), modificherò uno dei preset lead. Ho scelto di lavorare con la preimpostazione 28, LD Lunar. Si tratta di un grande suono principale, ma possiamo utilizzarlo anche come arpeggiatore con alcune modifiche.
Queste sono le impostazioni modificate che ho utilizzato. Si può notare la presenza di una piccola unità di riverbero accanto al plugin: si tratta dell’unità di riverbero Ableton, che si può aggiungere anche nella sezione degli effetti audio.
Come l’ultima volta, ridurremo il rilascio dell’amplificatore, riducendo così la coda del nostro suono di synth. La prossima volta possiamo aggiungere il riverbero.
Invece di usare l’arpeggiatore incorporato, personalmente preferisco scrivere le mie linee di arpeggio da suonare. Ho aggiunto questa traccia MIDI alla fine della nostra sezione d’ingresso.
Personalmente ritengo che aggiunga un tocco giocoso alla transizione. Si potrebbe anche dire che è carino. Tuttavia, almeno secondo me, è qualcosa che suona un po’ più memorabile.
Fase 8: Finalizzare le cose
È sempre divertente guardare indietro e vedere come abbiamo costruito la nostra idea, pezzo per pezzo. Abbiamo fatto molta strada dal nostro blando punto di partenza e, anche dopo anni di arrangiamento, mi stupisco ancora di come riusciamo a trasformare una semplice idea in qualcosa che suona così completo.
Naturalmente, ho selezionato gli sbocchi e le idee da utilizzare in questa guida. Probabilmente vi siete trovati insoddisfatti di alcune delle cose che avete fatto finora. Scommetto che alcuni di voi che hanno seguito la guida sono tornati indietro e hanno registrato o cambiato alcune parti.
È del tutto normale, anzi lo consiglio vivamente. Se avete l’abitudine di eseguire backup incrementali o il controllo di versione, avrete anche dei punti di controllo di facile lettura.
Una volta soddisfatti del brano, è possibile esportarlo come file WAV o MP3 (a seconda di ciò che la DAW supporta o meno).
In Ableton Live, è possibile esportare un file MP3 contemporaneamente al file WAV attivando l’opzione “Encode MP3”.
Fase 9: Ritorno
Non mi affretterei a caricare il brano su YouTube o a condividerlo con gli amici. Personalmente, mi piace lasciar “cuocere” una canzone per un giorno o due, prima di tornarci sopra per correggere eventuali problemi che potrebbero essermi sfuggiti nella fretta iniziale.
Lavorare su una canzone per ore e ore senza interruzioni porta inevitabilmente a un affaticamento uditivo che induce gli esseri umani a prendere decisioni indesiderate. Questo può essere mitigato in qualche modo con l’esperienza, ma ho commesso abbastanza errori nella mia vita per sapere che non ci si può fidare di me.
Conclusioni
Spero davvero che questo articolo vi abbia fatto capire meglio il processo di creazione degli arrangiamenti. Spero di avervi fatto vivere lo stesso momento magico che ho avuto io quando ho capito che non avevo bisogno di uno studio e di musicisti di sessione per fare musica di qualità professionale.
Questa non è una guida completa, quindi alcune parti possono sembrare un po’ vaghe. Ho cercato invece di fornirvi i passaggi essenziali e di illustrarvi alcuni suggerimenti e trucchi che ho imparato nel corso degli anni.
Spero anche che il formato che prevede l’inserimento di brani audio funzioni. La musica è un mezzo audio e descrivere semplicemente il motivo per cui ho fatto certe cose potrebbe non essere sufficiente a trasmettere il messaggio. In questo modo si ottiene un feedback diretto sul perché ho scelto di fare le cose in un certo modo.
Potreste anche non essere d’accordo con alcune delle mie decisioni. È quello che faccio sempre. La maggior parte delle volte, l’arrangiamento finale che viene inviato al cliente o al cantante non contiene nemmeno una traccia della bozza del primo giorno.
Qual è il prossimo passo?
Finora abbiamo mantenuto le cose estremamente semplici. A parte il nostro computer e una tastiera MIDI, abbiamo pochissima attrezzatura.
Se si desidera registrare strumenti reali o voci, come le parti di basso e chitarra menzionate in precedenza, è necessario iniziare a costruire uno studio, il che è naturalmente difficile se si dispone di un budget limitato.
Fortunatamente abbiamo scritto una serie di articoli sui requisiti hardware e software di un moderno produttore musicale. Questo articolo fornisce una panoramica dell’attrezzatura di cui potreste aver bisogno ed è un’ottima lettura in generale se volete iniziare.
Non abbiamo parlato molto nemmeno dei plugin VST, scegliendo di concentrarci solo su alcune opzioni gratuite.
Se siete pianisti interessati a comporre o ad arrangiare, dovete leggere il mio articolo. Presenta tutti i principali VST per pianoforte presenti sul mercato e spiega perché sono tra i plugin più popolari.
Infine, vale la pena di notare che le nostre canzoni non sono ancora veramente finite (e no, non si tratta di una riflessione filosofica sulla citazione di Vinci “L’arte non è mai finita”).
Dobbiamo ancora applicare un po’ di missaggio per far suonare bene le nostre canzoni. Finora il contenuto musicale è buono, ma i suoni non sembrano essere coerenti.
A volte trovo che le canzoni non mixate (o mixate male) diano l’impressione che i diversi strumenti siano registrati in ambienti diversi, il che finisce per sminuire l’esperienza di ascolto.
Nella parte finale della nostra guida alla creazione di musica con il software, parleremo del processo di missaggio e vi mostreremo come portare il vostro brano al livello successivo.
Se siete interessati, rimanete sintonizzati.